Translated by Eponine Howarth

Photograph by Adrian Cores

PROCESS

MB: Could you share a bit about your creative process?

RJ: My creative process doesn’t have an exact start moment. When I want to start a new piece, images, words, ideas gradually come to me. I have a notebook where I write daily, like a mirror book of my spiritual and emotional life. My ideas often arise from there. I write and then, after a while, reread my words, feeling the need to represent that moment of my life or that sensation in a painting. Then, I become obsessed, spending days searching for that image from the moment I wake up until the last thing I think about before sleeping. Only when I have some clues about how it will be, do I move to drawing. That’s a great moment because I try variations and derivations of that idea. I need to understand something in the drawing to feel comfortable in painting; I can’t skip that step.

Do you follow any ritual or routine before starting to work on a piece?

I like to paint in the morning. I think it's the lightest part of the day when the mind is still between the images of dreams and thoughts move slower. I try to extend that state as much as possible. Then tensions start rising when I see something I don’t like, or a color isn’t working, and I reach a threshold of discomfort. But every moment is valuable. The nerves also lead me to make impulsive decisions that can sometimes save what I'm doing. Still, you need to know when to stop, which I find quite challenging. If there's a day when I don't have to go out until night, I can spend the whole day painting, but there comes a point when the body can't take it anymore, and neither can the mind.

How long does it take you to create a painting from start to finish?

I would say about 2 or 3 months, from having the idea and spending a few days trying it out in drawing, to finishing the canvas. Then, the last few weeks I work on a painting usually overlap with the time I start drawing a new one. This is very necessary to ease those final moments of engaging with the painting, which tend to be the most tense. Because it's like I have to grieve the end of the creative process with that image and accept that the decisions I made are the final ones.

Basically, how is the process itself? Do you paint a little bit every day or do you tend to be obsessive and paint everything very quickly?

Yes, I try to paint every day, even if I have little time and only visit the studio for a while. I need the feeling of staying inside the painting, so that creative thread doesn't break. When I paint, I enter states where I'm very involved with what I'm doing. As I said, from the moment I wake up until I go to bed, I think about the image. What it lacks. Sometimes the general idea is thought out and closed, but the elements I add come together like puzzle pieces. To connect with that, I need to be in the studio even for a moment, to keep feeding that engine. There are times when I wake up at night with an idea and have to get up to write it down.

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COMMUNITY

You mention photography, but are there other artistic influences in your work?

I could say another daily influence are tarot books, alchemy, Kabbalah, magic. These are languages with iconography developed during the medieval period, so they are images made with a lack of perspective, full colors, fragmentation, the theme of mutilation. There's something about that imagery, whether from a compositional or symbolic standpoint, that interests me when thinking about my work.

Currently, I'm working on an image of a woman cleaning the shadow of another. I believe there's a power in that metaphor that comes from sacred languages. To clean the spirit, you have to clean the matter, because the body is our mold through which we live in this world. So all spiritual processes need reality to manifest and transform. This is also something I took a lot from Jodorowsky in his work with psychomagic. Transformation occurs in the metaphor. Instead of trying to decipher our unconscious (as surrealism proposed), I believe we need to find its language to communicate with it and reach the depth of internal work.

When you don't know how to resolve a detail in a painting, do you turn to other art forms for guidance?

I always turn to drawing. Generally, it comes first, but if a doubt arises while painting or I need to try how something would look with different light or from another perspective, I go back to drawing to understand it better.

When you're in the middle of a project, do you tend to consume a lot of art or try to block out all artistic influences?

I definitely consume many more images and turn more to my influences during my work moments on a piece. It's as if my imagination is fed by that whirlwind of data, so that later only some forms or isolated elements remain. All that resonates and, when painting, comes back to me in another form, transforming with what I'm painting.

How do your friends, family, or collaborators in the artistic communities you're part of influence the creation of your work?

There's clearly an influence from my close relationships, whether friends or family. On one hand, I feel part of a community of contemporary artists with whom I dialogue, basically because similar contextual issues affect us. The special thing is that each one does something different with that. I'm interested in that common denominator generated among artists of my generation.

But I also enjoy stepping out of that context, meeting people who have nothing to do with it. Among artists, we can spend hours talking about the work and creative problems, but a conversation with the guy at the greengrocer can transform me much more, understanding other reality issues that also affect me. Different as a creative force is very special. The idea of the genius artist who locks himself in the studio and life is his work belongs to another era. It wouldn't work for me. I believe life is much more transversal and is nourished by everything surrounding the work.

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ARTISTIC TRAJECTORY

Do you have any defining memories relating to art? Perhaps when you were younger and saw a painting, a movie, or a photograph; if so, could you describe what that experience was like? How did it make you feel?

I think I've been interested in art since I was very young, when it would awaken feelings that daily life didn’t. I was captivated by images, whether in painting or photography, that would take me to a fantasy dimension, where something happened that perhaps wasn’t entirely “real,” but offered me a different, expanded way of seeing the world.

I don’t know if there was a single piece or painting that defined this for me. As a child, perhaps because of my Italian education, I was initially marked by medieval images and Italian frescoes, where the representation wasn’t so “accurate,” but there were many elements to draw from. The characters, objects, and Gothic architecture—the delirious details and symbols opened doors in my imagination.

Later, when I had the opportunity to travel to Europe, I encountered those images and discovered another dimension of painting: gesture and color. This was something I hadn’t understood from books or internet photos. Experiencing it live made me feel something different. In a sense, I was hypnotized by the works of Delacroix and Goya, with a darker atmosphere.

‍Do you remember when you first felt the desire to create art yourself? Did you know from the beginning that you wanted to paint? Or were you also interested in other forms of art?

Art has always been there. I first started with photography, studying throughout my adolescence with different photographers, both digital and analog. When I discovered that there was a specialty in film that focused on photography, I went crazy. I finished school and enrolled in Cinematography and I couldn’t have done anything else. However, while living on set, surrounded by a thousand people and filming 24 hours a day, I would return home to my studio with my paintings and my space of intimacy. That was vital for me.

Painting began as an experiment that arose at a moment and completely captivated me. At 17, I started an experimental workshop with an artist, a friend of my sister, Denise Groesman. We tried various exercises, exploring and testing materials. She painted with oil, and I loved what she did, so I wanted to try it. From that day on, I never stopped; I didn’t go through acrylics or pastels. Now I paint and draw. For me, there’s no painting without drawing.

Recently, painting has become a daily practice that I consider to be more than just an exercise for myself. Now, I combine my work between film and painting; sometimes one outweighs the other, but both undoubtedly coexist within me.

Which artists did you feel drawn to as you began finding your own artistic viewpoint? Could you share (if you can choose!) three different artists and describe how they influenced you?

My references have changed over time. Initially, I was hooked on painting because of narrative, the representational, the grotesque. And by association with medieval times, 20th-century surrealism presented itself to me as a return to the symbolic from a more playful, permissive perspective. There, I was interested in how they incorporated the unconscious and worked with the dreamlike. I looked at Felix Labisse, Max Ernst, Otto Dix. For me, surrealists manage to create such unique images that they become universal.

There are also surrealist women artists who brought an esoteric perspective and connected me to earlier references, not just in painting but other languages like alchemy or astrology. I love Leonor Fini, Leonora Carrington, Remedios Varo, Raquel Forner. Less humorous paintings but with a mystical, hidden tone, further hypnotized me. Nowadays, many artists reference them, and it’s clear we are in a moment of returning to the magical, the esoteric, and the ancestral. The question is how to dialogue with something represented in different times, to see how it resonates in the present and update the message.

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EXHIBITION 'DETRÁS DE LOS OJOS' ('BEHIND THE EYES')

Had you been painting with the idea of the exhibition in mind for a long time? Or alternatively, did the idea shape itself when you connected with the Cott Gallery about the possibility of doing an exhibition?

The idea of the exhibition emerged last year. I never painted with that objective. It’s very important to me that there’s always the possibility that the painting I’m doing doesn’t become a piece, and to have that freedom when painting. That’s why I worked for many years like that, with the genuineness (and naivety) that doing something just for yourself gives you. Nowadays, I don’t feel that way anymore, but I like to exercise returning to that disposition because it’s a purer state when working.

The exhibition arose when I met Gabriel Cott, the director of Cott Gallery, who invited me to exhibit the work I already had. From that day until we inaugurated the exhibition, I worked like crazy, and we managed to add about five new paintings from the last year.

How long did it take to decide which paintings would be in the exhibition, and what were some of the unexpected challenges of putting together the exhibition?

The curatorial work and selection of the pieces were in the hands of Natalia Albanese, who also met me with much of the work already done. She helped me organize and analyze it, understand it. Then we defined the concept we wanted to work with, which helped me produce the last paintings.

The challenge, I believe, was there—in conceptualizing something that was an enormous imaginary world, where each painting could open up to a thousand interpretations and narratives. Natalia quickly figured me out and helped ground a concept, that of the magical reality hidden “behind the eyes.” There, my female characters are sorceresses, seekers of a spiritual truth who hold the key to dialogue with nature and reach a higher state, with all the vicissitudes that entails.

What were some of the most gratifying responses you received from people who came to see your work? Also, did hearing others' reactions to your work change how you’re thinking about creating more art in the future?

On one hand, it’s beautiful to share something that comes from so deep inside, something as intimate as my relationship with painting. It’s like I had been working alone in the studio for so many years and suddenly, there are the paintings hanging together, interacting, generating different sensations in each viewer. It’s amazing when all the works are shown together, creating a spirit that unites and empowers them incredibly, as if they nourish and complete each other.

I received very gratifying comments that encouraged me to keep working and explore new ideas. Now the challenge for me is to keep working with the awareness of the external voice of the public or the art world, which, once they know you, have expectations of your work. On one hand, that’s great because it activates my desire to keep creating. On the other hand, I know that if I listen to it too much, I risk losing the desire and connection to what I truly want to do. Nowadays, everything is instant and fast, you know? It seems artists have to be producing all the time. Especially on social media, you have to maintain a “digital presence” that doesn’t let you delve deeply into the processes of things. I constantly remind myself that an artist's work isn’t linear, because it’s easy to fall into that demand.

What’s next for you, creatively?

That's difficult! I’m going to take some time to answer that question. I think the exhibition was a great closure of a long period of work where I painted in a certain way, with a certain logic, and now I’m also interested in exploring other things. However, it’s something that will develop over time, and I want to give myself that space to generate new questions.

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PROCESO

MB: ¿Podrías compartir un poco cómo es tu proceso creativo?

RJ: Mi proceso creativo no tiene un momento exacto de inicio. Cuando tengo ganas de empezar una obra nueva, poco a poco se me vienen imágenes, palabras, ideas. Tengo un cuaderno en el que escribo diariamente, es como un libro espejo de mi vida espiritual y emocional. Mis ideas suelen surgir de ahí, escribo y después de un cierto tiempo vuelvo a leer mis palabras y me surge la necesidad de representar en la pintura ese momento de mi vida o esa sensación que me tocaba. Ahí entro en una obsesión en la que paso días buscando esa imagen, desde que me levanto hasta lo último que pienso antes de dormir. Y recién cuando tengo algunas pistas de cómo va a ser, paso al dibujo. Es un gran momento ese porque pruebo variaciones y derivaciones de esa misma idea. Tengo que entender algo en el dibujo para poder sentirme cómoda en la pintura, no puedo esquivar ese paso. 

¿Sigues algún ritual o rutina antes de comenzar a trabajar en una obra?

Me gusta pintar a la mañana, creo que es el momento más liviano del día, en donde la cabeza todavía está entre las imágenes de los sueños y los pensamientos van más despacio. Intento estirar ese estado lo más posible. Después van subiendo las tensiones, cuando empiezo a ver que algo no me gusta, o algún color no funciona, ahí llego como a un umbral de incomodidad. Pero todos los momentos están buenos. Porque los nervios también me llevan a tomar decisiones impulsivas que a veces pueden salvar lo que estoy haciendo. Igual hay que saber parar, eso me cuesta bastante. Si hay un día en que hasta la noche no tengo que salir, puedo pasarme todo el día pintando, pero hay un momento en el cuerpo no puede más, y la mente tampoco. 

¿Cuánto tiempo te lleva crear una pintura, de principio al fin?

Diría que unos 2 o 3 meses, entre que tengo la idea y paso unos días probando en el dibujo, hasta que termino de pintar la tela. Luego, las últimas semanas que trabajo en una pintura se suelen empalmar con el momento de dibujar una nueva. Eso es muy necesario para poder aliviar esos últimos momentos de encuentro con la pintura, que suelen ser los más tensos. Porque sería algo así como que tengo que duelar que termina el proceso creativo con esa imagen y aceptar que las decisiones que tomé son las que quedan. 

Básicamente, ¿cómo es el proceso en sí? ¿Pintas un poquito todos los días o tiendes a ser obsesivo y pintarlo todo muy rápido?

Si, intento pintar todos los días, por más que algún día tenga poco tiempo y sólo sea pasar por el taller un rato. Necesito la sensación de seguir estando adentro de la pintura, para que ese hilo creativo no se corte. Cuando pinto, entro en unos estados en los que me involucro mucho con lo que estoy haciendo, como te decía, desde que me levanto hasta que me acuesto pienso en la imagen. Qué le falta. A veces la idea general está pensada y cerrada pero los elementos que agrego se van sumando tipo piezas de un rompecabezas. Y para conectar con eso necesito estar en taller aunque sea un momento, para seguir alimentando ese motor. Hay épocas en las que me despierto a la noche con una idea y me tengo que levantar a escribirla. 

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COMUNIDAD

Mencionas la fotografía, pero ¿hay otras influencias artísticas en tu trabajo?

Podría decir que otra influencia diaria son los libros de tarot, de alquimia, cábala, magia. Son lenguajes que tienen su iconografía desarrollada en el periodo medieval y  por eso son imágenes hechas desde una falta de perspectiva, colores plenos, lo fragmentado, el tema de la mutilación. Hay algo de ese imaginario ya sea desde lo compositivo o desde lo simbólico que me interesa  a la hora de pensar mi obra. 

Ahora estoy trabajando en una imagen que es una mujer que limpia la sombra de otra, creo que ahí hay una potencia en esa metáfora que viene de los lenguajes sagrados. Para limpiar el espíritu hay que limpiar la materia, porque el cuerpo es nuestro molde a partir del que vivimos este mundo. Entonces todos los procesos espirituales necesitan de la realidad para manifestarse y transformarse. También es algo que me dejó mucho Jodorowsky en su trabajo con la psicomagia. En la metáfora se produce la transformación. En vez de intentar descifrar a nuestro inconsciente, (como se proponía el surrealismo), creo que hay que encontrar su lenguaje  para hablarle y así llegar a lo profundo del trabajo interno. 

Cuando no sabes cómo resolver un detalle en una pintura, ¿recurres a otras formas de arte en busca de orientación?

Recurro al dibujo, siempre. En general viene antes, pero si una vez que estoy pintando me surge una duda o necesito probar cómo sería algo con otra luz o visto de otra manera, vuelvo al dibujo para entenderlo mejor. 

Cuando estás en medio de un proyecto, ¿tiendes a consumir mucho arte o intentas bloquear todas tus influencias artísticas?

Totalmente consumo muchas más imágenes y recurro más a mis influencias durante mis momentos de trabajo en una obra. Es como si de ese torbellino de data se alimentara mi imaginario, para que después solo queden algunas formas o elementos aislados. Todo eso queda resonando y al momento de pintar vuelven a mi en otra forma, transformándose con lo que estoy pintando. 

¿Cómo influyen tus amigos, familiares o colaboradores de las comunidades artísticas de las que formas parte en la creación de tu obra?

Hay una influencia claramente de mis vínculos cercanos, sean amigos o familia. Por un lado me siento parte de una comunidad de artistas contemporáneos con los que dialogo, básicamente porque nos atraviesan cosas parecidas, del contexto, y lo especial es que cada uno hace algo diferente con eso. Me interesa ese común denominador que se genera en los artistas de mi generación.

Pero disfruto mucho de salir de ese contexto también, encontrarme con personas que no tienen nada que ver. Entre artistas podemos quedarnos hablando horas de la obra y los problemas creativos,  pero me puede transformar muchísimo más una conversación con el señor de la verdulería, y entender otras problemáticas de la realidad que también me atraviesan. Lo diferente como potencia creativa es muy especial. Quedó de otra época la idea del artista genio que se encierra en el taller y la vida es su obra, no me funcionaria. Creo que la vida es mucho más transversal y se alimenta de todo lo que rodea a la obra.

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TRAYECTORIA ARTÍSTICA PERSONAL 

¿Tenés algún recuerdo definitorio en relación al arte? Quizás cuando eras más joven y viste una pintura, una película o una fotografía; si es así, ¿podrías describir cómo fue esa experiencia? ¿Cómo te hizo sentir? 

Creo que desde muy chica me interesaba el arte cuando me despertaba sensaciones que la vida diaria no me generaba. Me atrapaban las imágenes, ya sea en pintura o en fotografía, que me acercaban  una dimensión más de la fantasía, en donde pasaba algo que tal vez no es del todo “real”, pero me proponía una manera de ver el mundo diferente, expandida. 

No se si hubo una sola obra o pintura que me haga decirlo. De chica lo que primero me marcó, quizás porque recibí una educación italiana,  eran las imágenes medievales, los frescos italianos, en donde la representación no era tan “correcta” pero había muchos elementos de los que tirar. Los personajes, objetos, la arquitectura gótica. Los detalles y símbolos delirantes, que abrían puertas en mi imaginación. 

Después de más grande tuve la oportunidad de viajar a Europa, me encontré con esas imágenes y ahí descubrí toda otra dimensión de la pintura que es el gesto y el color. Algo que no había entendido desde los libros o las fotos de internet. En la experiencia en vivo sentí otra cosa. En ese sentido me hipnotizaban las obras de Delacroix, Goya, con una atmósfera más oscura que también me era muy sugestiva.

¿Recordás cuándo comenzaste a tener el deseo de hacer arte vos misma? Desde el principio, ¿sabías que querías pintar? ¿O también estabas interesada en otras formas de arte? 

El arte siempre estuvo ahí. Primero empecé  haciendo fotografías y estudié durante toda mi adolescencia con distintos fotógrafos, en digital y después en analógico. Cuando me enteré que en el cine había una especialidad que se encargaba de la foto, me volví loca. Terminé el colegio y me anoté en Dirección de fotografía y creo que no podría haber hecho otra cosa. Sin embargo, mientras vivía mi vida adentro del set, con mil personas y filmando 24hs, yo volvía a mi casa y tenía mi taller con mi pintura y mi espacio de intimidad. Para mi eso era vital.

Lo de la pintura yo lo veo como una prueba que surgió en un momento y que me enamoró por completo. A los 17 empecé a hacer un taller de experimentación con una artista, amiga de mi hermana, Denise Groesman. Ahí probamos ejercicios muy variados, de búsqueda y pruebas de materiales. Ella pintaba con óleo y lo que hacía me encantaba, así que quise probarlo. Desde ese día que nunca lo dejé, no pasé por el acrílico ni probé pasteles. Ahora pinto y dibujo. Para mi no hay pintura sin dibujo.

Fue recientemente que la pintura se volvió una práctica diaria que considera ser algo más que un ejercicio para mi misma. Ahora combino mi trabajo entre el cine y la pintura, a veces por épocas tiene más peso una o la otra, es una relación que se reestructura según cada momento. Pero sin duda conviven las dos adentro mío. 

¿A qué artistas te sentiste atraída mientras comenzabas a encontrar tu propio punto de vista artístico? ¿Podrías compartir (¡si podés elegir!) tres artistas diferentes y describir cómo te influenciaron a vos?

Mis referencias fueron cambiando a lo largo del tiempo. Como te decía al principio me enganché con la pintura a través de la narración, de lo representativo, más grotesco. Y por asociación de lo medieval se me presentó el surrealismo del siglo XX como una vuelta a lo simbólico desde un punto de vista más lúdico, con más licencias. Ahí me interesaba cómo incorporaban el inconsciente y el trabajo con lo onírico. Miraba a Felix Labisse, Max Ernst, Otto Dix. Para mi los surrealistas logran hacer imágenes tan particulares que se vuelven universales. 

También están las artistas mujeres surrealistas que me acercaron la mirada esotérica y me acercaron a unas referencias anteriores, no solo de la pintura sino de otros lenguajes, como la alquimia o la astrología. Me encanta Leonor Fini, Leonora Carrington, Remedios Varo, Raquel Forner. Y eso me hipnotizó aún más, una pintura menos del humor pero con un tono místico, oculto. Ahora hay muchas artistas que las toman de referencia, es evidente que estamos en un momento de vuelta a lo mágico, lo esotérico, y lo ancestral. La pregunta es cómo dialogar con eso que fue tan representado en otras épocas, ver cómo resuena eso en el presente y actualizar el mensaje.

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MUESTRA 'DETRÁS DE LOS OJOS' 

¿Habías estado pintando con la idea de la muestra en mente durante mucho tiempo? O alternativamente, ¿la idea se fue conformando cuándo te conectaste con la Cott Gallery sobre la posibilidad de hacer una exposición? 

La idea de la muestra surgió el año pasado. Nunca pinté con ese objetivo. Para mi es re importante que siempre esté la posibilidad de que la pintura que estoy haciendo no se convierta en obra, y tener esa libertad a la hora de pintar. Por eso trabajé durante muchos años así, con esa genuinidad (e ingenuidad) que te da hacer algo que es solo para vos. Hoy en día ya no lo siento así pero me gusta ejercitar volver a esa predisposición, porque es un estado más puro a la hora de trabajar. 

La muestra surgió cuando conocí a Gabriel Cott, el director de Cott Gallery, que me invitó a hacer una muestra a partir de la obra con la que ya contaba. Desde ese día hasta que inauguramos la muestra trabajé como loca y pudimos sumar como cinco pinturas nuevas del último año. 

¿Cuánto tiempo llevó decidir qué pinturas iban a estar en la muestra y cuáles fueron algunos de los desafíos inesperados de hacer la exposición? 

El trabajo de la curaduría y elección de las obras estuvo a cargo de Natalia Albanese, que también me conoció con gran parte de la obra ya hecha, por lo que me ayudó más que nada a ordenarla y analizarla, entenderla. Después definimos el concepto con el que queríamos trabajar y ahí se me ordenó el panorama para producir las últimas pinturas. 

El desafío creo que estuvo ahí. En conceptualizar algo que era un imaginario enorme y que para mí en cada pintura se podrían abrir mil interpretaciones y relatos. Natalia en ese sentido me sacó la ficha al segundo, y me ayudó a bajar y encarnar un poco más un concepto, que es el de la mágica realidad que se esconde “detrás de los ojos”. Ahí mis personajes femeninos son hechiceras, buscadoras de una verdad espiritual que tienen la llave para dialogar con la naturaleza y alcanzar un estado superior, con todas las vicisitudes que eso conlleva. 

¿Cuáles fueron algunas de las respuestas más gratificantes que recibiste de las personas que vinieron a ver el trabajo de vos? ¿También, cambió escuchar las reacciones de los demás a tu trabajo en cómo estás pensando en hacer más arte en el futuro? 

Por un lado es hermoso poder compartir algo que surge de tan adentro, algo que es tan íntimo como es mi relación con la pintura. Es como que estuve sola trabajando en el taller durante tantos años y de la nada, están ahí las pinturas colgadas todas juntas, hablando entre ellas, generando diferentes sensaciones a cada espectador que las mira. Pasa algo muy genial cuando todas las obras se muestran juntas y aparece un espíritu ahí que las une y que les da una potencia increíble. Como si se retroalimentaran y se completaran unas a otras. 

Recibí comentarios muy gratificantes que me impulsan a seguir trabajando y explorando nuevas ideas. Ahora el desafío para mí es seguir trabajando con la consciencia de la voz externa del público o del mundo del arte, que una vez que te conocen ya se hace una idea de lo que esperan de tu obra. Y eso por un lado está buenísimo porque me activa las ganas de seguir haciendo. Por el otro, sé que si lo escucho demasiado corro el peligro de perder el deseo y la conexión con lo que realmente quiero hacer. Hoy en día todo es instantáneo y rápido, ¿viste? Parece que los artistas tenemos que estar produciendo todo el tiempo. Sobre todo en redes sociales hay que estar sosteniendo una “presencia digital” que no te deja estar muy para adentro y atravesar los procesos de las cosas. Todo el tiempo me repito que no es lineal el trabajo del artista, porque es muy fácil caer en esa exigencia. 

¿Qué sigue para vos, creativamente?

Que dificil! Me voy a tomar un tiempo para poder responder esa pregunta. Creo que la muestra fue un gran cierre de un periodo de trabajo muy largo en donde pinté de una manera y con una cierta lógica, y ahora me interesa también investigar otras cosas. De todas maneras es algo que me va a decantar con el tiempo y quiero darme ese espacio para generarme nuevas preguntas. 

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Renata Juncadella (Buenos Aires, 1999) is a visual artist and photographer. She graduated from the Photography Direction degree at the Universidad del Cine and since 2018 has been developing her artistic practice in painting. She trained in a range of painting workshops with artists and teachers; in 2022 she participated in the Film Program at the Torcuato di Tella University and the 6th edition of the ArtistasxArtistas program of the El Mirador Foundation. In 2023 she exhibited her paintings in 'Umbrales en penumbra,' a duet exhibition at Local de Artes Recientes curated by Laura Códega; in the Solidarity Auction of the Ama Amoedo Foundation in Roldán Moderno, and in the 'Mi vereda' cycle at the Museum of Modern Art of Buenos Aires, among others. Her work 'La trampa sagrada' won Third Prize in the Under 35 Category of the 16th Central Bank Painting Prize. 'Detrás de los ojos' is her first individual exhibition, located at Cott Gallery.
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Eponine Howarth is co-editor-in-chief of La Piccioletta Barca.

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